Устойчивое влияние поп-арта на культуру поп-арт в модной музыке

Жизнь, копирующая искусство: изучение непреходящего влияния поп-арта, поскольку глобальная культура и изобразительное искусство продолжают собственный цикличный характер.

Возникнув в Соединенном Королевстве в середине 1950-х годов и инициированный прогрессивными художниками, например как Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон, POP-ART не мог быть найден как настоящее движение, пока он не переместился через водоем в 60-х годах; Нью-йоркские художники Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джеймс Розенквист и Клас Ольденбург определяют то, что станет международным событием, создавая работы, вдохновленные массовой культурой, ежедневными предметами и культом знаменитостей, в попытке стереть границы между высоким искусством и низкокультурный.

Ричард Гамильтон, Что делает современные дома такими всевозможными, очень интересными? 1956, 26 см ? 24.8 см, находится в Кунстхалле Тюбинген © автор

С этой захватывающей новой волной художников, сосредоточившей собственное внимание на темах, которые говорили о приземленности настоящей жизни и массового общества, часто с применением коммерческих изображений — В то время, когда капитализм бурно развивался после жёсткой экономии военного времени, — POP-ART перешел на стать одним из очень узнаваемых стилей современного искусства, проникая в моду и музыкальные сцены, перед тем как провести путь для молодых художников, которые увеличатся на диете потребительства и перенасыщенной поп-культуры.

Ричард Гамильтон появился на свет в столице Англии в первой половине 20-ых годов двадцатого века. Он был провидцем в области искусства, который погрузился в кино, телевидение, журналы и современную музыку, очерчивая идеалы и представляя восприятие художника как потребителя и участника массовой культуры. Не обращая внимания на то, что имя Уорхола стало нарицательным, Гамильтон должен установить фундамент, на котором он построит собственную империю искусства; коллаж британца 1956 года "Что делает современные дома такими всевозможными, очень интересными?"?, первая работа в молодом жанре, достигшая действительно культового положения.

Поп-арт — эстетика банального | Арт-бланш

Хотя их индивидуальные стили могли быть всевозможными, все поп-художники разделяли мнение про то, что иконография популярной культуры считается основополагающей для их работы. Гамильтон и Эдуардо Паолоцци с их основательно составленными коллажами; Уорхол и его опасение повторением — бутылки из-под кока-колы и консервные банки Кэмпбелла производились так, как если бы работа была полкой в ??магазине; Джеймс Розенквист, еще один пионер поп-музыки из Нью-Йорка, ценитель политических посланий при помощи реконтекстуализации вырезок из журналов в больших картинах-коллажах.

Эдуардо Паолоцци, Витгенштейн в Нью-Йорке (из фотографии As is When), 1965 год. 76 х 53.5см Предоставлено Шотландской национальной галереей современного искусства © Попечители фонда Паолоцци, лицензия DACS

Эдуардо Паолоцци, «Гипотезы об идентичности», 1963–64. Скриншот экрана. 79.5 х 52.5 см Коллекция Британского Совета Предоставлено Коллекция Британского Совета © Попечители Фонда Паолоцци, лицензия DACS

Джеймс Розенквист, избранный президент, 1960–61 / 1964 гг. Масло на Мазоните. 7 ? 5 3/4 ? x 12 ? (228.0 х 365.8 см) [89 3/4 ? x 144 ?]

Центр Жоржа Помпиду, Государственный музей современного искусства / Центр промышленного развития, Париж [AM 1976–1014].

Рой Лихтенштейн, Hopeless, 1963, музей изобразительного исскуства Базеля, Depositum der Peter ud Irene Ludwig Stiftung, Ахен

Рой Лихтенштейн, Шедевр, 1962 г., приватная коллекция © Гнездо Роя Лихтенштейна / DACS 2012

Рой Лихтенштейн оставил собственный след, присвоив — что вызывает большое количество споров и частое неудовольствие оригинальных художников — изображения из комиксов для создания собственных своих картин; его нарисованные вручную точки Бендая часто изображают основных героев как пойманных в меланхолические ситуации, с выражениями из разъедая неудовлетворенность откровенным страданием.

Клас Ольденбург, американец (б. Швеция, 1929), Кусье ван Брюгген, американец (р. Нидерланды, 1942-2009), Воланы, 1994. Фото, Кит Юинг. Парк скульптур, музей изобразительного исскуства Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити

Американский дизайнер из Стокгольма Клас Ольденбург тоже станет ключевой фигурой. Знаменитый созданием больших общественных скульптур, прищепка Ольденбурга высотой 45 футов (1974), находящаяся в офисном комплексе Филадельфии на главной площади, и серия воланов 1992 года, разбросанных по парку скульптур музея изобразительного исскуства Нельсона-Аткинса в Канзас-Сити, изменили лицо современного паблик-арта, тогда как его «мягкие скульптуры» еды и мирских неодушевленных предметов размывали реальность. «Я за искусство, которое берет собственную форму из линий самой жизни, — сказал он как то, — которое выгибается, становится шире, скапливается, плюется и капает, и оно увесистое, грубое, грубое, сладкое и глупое, как сама жизнь.”

По мере того как мир искусства переходил от арт-объектов к инсталляциям на протяжении 1970-х годов, POP-ART становился менее популярным, пока одержимые масс-медиа художники, например Джефф Кунс и Такаши Мураками, не возглавили движение ренесанса, получившее название неопоп. Кунс — как это делал до него Дюшан — черпает вдохновение в предметах, которые обычно не являются изобразительным искусством. Надувные пластмассовые игрушки, баскетбольные мячи и пылесосы находят собственное место в галереях как своего рода Pop-meet-readymades. Опять возникло чувство, что все популярное — это правдивая игра; от карикатур на мультики до эфемеров широкого производства, Поп вернулся. (Было ли это когда-нибудь действительно оставлено?) Мураками, японский дизайнер, прославившийся собственными психоделическими набегами на графику в духе комиксов, как говорят, «использовал и злоупотреблял» слиянием высокого и невысокого искусства; его перенасыщенные фантастические миры черпают вдохновение из японской популярной культуры.

Джефф Кунс, New Hoover Convertibles Green, Blue, New Hoover Convertibles, Green, Blue Doubledecker, 1981–87. Четыре пылесоса, акрил и лампы дневного света; 116 x 41 x 28 дюймов. (294.6 х 104.1 х 71.1 см). Музей американского искусства Уитни, приобретение на средства Сондры и Чарльза Гилмана-младшего. Фонд, Inc., и Комитет по живописи и скульптуре 89.30а-в. © Джефф Кунс.

Джефф Кунс, Луна (светло-розовый), 1995–2000 гг. Зеркально отполированная нержавейка с прозрачным цветным покрытием; 130 x 130 x 40 дюймов. (330.2 х 330.2 х 101.6 см). Собрание художника. © Джефф Кунс.

Такаши Мураками, Hustle’n’Punch Кайкай и Кики, 2009 г

холст на алюминиевой раме, акрил, лист платины

118 1/8 x 239 3/8 x 2 дюйма. (300.04 х 608.01 х 5.08 см)

Ричард Гамильтон для The Beatles, 1968 год

Такаши Мураками для Канье Уэста, выпускной, 2007 г

По иронии судьбы, соприкасающиеся точки поп-арта с популярной культурой повернули бы полный цикл, и само движение искусства заняло бы собственное место в средствах массовой информации; Ричард Гамильтон разработал страницу для The Beatles — пластинки 1968 года, также популярной как White Album, единственного конверта студийного альбома Beatles, на обложке которого участники группы не заметны, — что резко контрастирует с предложением Питера Блейка для Sgt. Группа Pepper’s Lonely Hearts Club, любая из которых показывает широкое эстетическое многообразие, возникшее в поп-движении.

Джефф Кунс для Artpop Леди Гаги

Поскольку эта сцена вдохновила абсолютно новое поколение художников, проживающий в Лос-Анджелесе Кенни Шарф, знаменитый собственным участием в междисциплинарной арт-сцене Ист-Виллидж в 1980-х годах в связке с Жан-Мишелем Баския и Китом Харингом, разработал страницу для B- Четвертый студийный альбом 52, Bouncing off the Satellites; тогда как сам Харинг рисовал на видео Грейс Джонс 1986 года на I’m Not Perfect (But I’m Perfect For You), в котором Уорхол мельком возникает.

Совершенно недавно Мураками разработал страницу для альбома Канье Уэста «Graduation» 2007 года, в котором дизайнер использовал собственный брендовый стиль на талисмане Уэста «медведь, бросивший учебу»; показывая, как он покидает надуманный колледж Вселенский город; В 2013 году Кунс работал над оформлением альбома Леди Гаги Artpop, создав правдивую скульптуру для вечеринки по случаю релиза в Нью-Йорке. Сочетая влияния хип-хопа, панка и культуры уличного искусства с поп-чуткостью собственного приятеля Энди Уорхола, неоэкспрессионистский стиль Жан-Мишеля Баския показал, как влияние движения может трансформироваться в новые и освежающие искажения его начальной эстетики — Бруклинского стиля. Неистовая красота прирожденного художника послужила образцом для большинства художников-графиков, которые пошли. В обложке для сингла Beat Bop звезд экспериментального хип-хопа Rammellzee и К-Роба 1983 года будет показано, что артист создаёт одно из очень немногих заказов, которые он выполнил при жизни.

Группа Родника Филипа Колбера

Проникая во все моменты современнейшей культуры, резонанс поп-музыки ощущается в интерьерном дизайне — особенно видны итальянские лейблы Seletti и производитель Gufram, смелые изделия, например стул Bocca от Studio 65, определяющий культурный переход — и во всех аспектах графического искусства и маркетинга; где даже сайты бинго впитали вдохновение, применяя точки в духе Лихтенштейна, поскольку опытные маркетологи понимают влиятельную природу поп-музыки.

Энди Уорхол, The Souper Dress, 1966–67

Покупка, Фонд Изабель Шульц и Подарки Мартина и Кэрил Хорвиц и Hearst Corporation, 1995 г

Благодаря длительной истории перекрестного опыления, миры искусства и моды постоянно сталкивались на протяжении нескольких десятилетий с момента возникновения поп-арта. Учредитель Yves Saint Laurent Пьер Берже как то предложил следующую частушку: «Мода — это не искусство, но чтобы ее сделать необходим дизайнер», и эти две дисциплины часто сливаются между собой. Платье Уорхола The Souper Dress было само по себе настоящим кроссовером между искусством и модой, а взлеты из комиксов Лихтенштейна приглянулись всем, от Nike и Converse до нью-йоркской популярной любимицы Лизы Перри, которая очень одержима поп-артом, ее квартира и хвала движению. «Стен не останется», — призналась она в минувшем году, собирая произведения со сцены практически 20 лет.

"Я не хочу когда-либо складывать что-нибудь в хранилище, и иногда мы меняли местами, но коллекция находится в таком месте, что мы действительно довольны этим". Популярность поп-арта взлетела до небес. Это полностью другой мир из 2000 года. Так что мы весьма довольны тем, что у нас есть, что мы смогли получить. Для некоторых остальных домов и для моих детей мы собираем молодых художников и также ищем различные места, но данный дом у нас хорошо.”

Такаши Мураками также сотрудничал с бесчисленными брендами — Vans и Louis Vuitton, чтобы назвать всего лишь два, — тогда как Кунс сотрудничал с H&M, создав коллекцию сумок, оформленных его брендовой собачкой-воздушным шаром. Плюс к этому, есть современные модельеры, которые воодушевили Попа и бежали: Филип Колбер (заслуживший прозвище «крестник Энди Уорхола» Андре Леона Талли) с его Poptastic лейблом The Rodnik Band и задира Джереми Скотт, чей хлам культурная работа для Moschino настолько востребована, насколько это реально.

История одного художника: Поп-Арт

Алекс Чиннек, От колен носа до концов пальцев ног

Алекс Чиннек, Под погодой, но над луной

Наряду с модельерами современные художники также продолжают воспринимать влияние таких пионеров середины века с подобными именами, как Бен Фрост, который находится где нибудь между антагонизмом Джереми Скотта и покупательскими идеалами Уорхола, и Алекс Чиннек, который поддерживает контркультуру паблик-арта. дух Клааса Ольденбурга; его масштабный сюрреализм, воплощающий квинтэссенцию движения.

По мере того, как мир продолжает спускаться по спирали в глубины массового употребления, POP-ART продолжает процветать на тех же культурных ценностях, которые стали причиной его быстрому появлению; пока есть СМИ, будет творчество, подпитываемое интроспективными ценностями ваших Паолоцци, Гамильтонов и Вархолов. Галереи продолжают курировать очень большие ретроспективные выставки настоящих пионеров сцены, и мы продолжим видеть влияние остальных культурных равнин — совершенно недавно, на последних раундах недель моды, Prada и Comme des Garcons щеголяли красочными и повторяющимися дизайнами, тогда как Донателла Версаче перепечатывала Работы Уорхола и POP-ART обложки Vogue для последнего возвышения Versace.

Увековечивая культуру от низкой к высокой, POP-ART, кажется, зациклился на аналогичном повторяющемся цикле, как и самые популярные работы Уорхола. Однако, как сказал великий человек: «Неужели жизнь не считается серией образов, которые меняются по мере того, как они повторяются?”